Per la maggior parte delle indicazioni, Ezra Chowaiki si è classificato tra i migliori mercanti d’arte di New York. Dal 2004 al 2017, la sua omonima galleria su Park Avenue ha mostrato opere di artisti come Degas, Picasso e Calder. Ha trattato con ricchi collezionisti tra cui l’ex superstar di Warhol “Baby” Jane Holzer. I rivenditori di fascia alta Helly Nahmad e Michael Black hanno fatto affari con lui.

“Era un affascinante [e] simpatico ragazzo”, ha detto Thomas C. Danziger, un avvocato di Manhattan che ha negoziato con Chowaiki a nome dei clienti. “Un sacco di persone molto affidabili si sono occupate di lui”.

Ma nessuno probabilmente ha previsto che Chowaiki sarebbe emerso come un criminale che ha sfogliato denaro, venduto arte che non possedeva e trascurato di pagare i clienti per i lavori che ha venduto per loro conto. Supplicando di aver frodato le frodi, ha commesso circa 10 milioni di dollari di truffe legate all’arte e inizierà a scontare una pena detentiva di 18 mesi il 30 novembre.

La storia di Chowaiki illustra come una persona ambiziosa può essere intrappolata dalla sfortuna, dalle decisioni sbagliate, dai cattivi tempi e dalla volontà di prendere scorciatoie illecite per rimanere solvibile.

“Si è trovato nei guai e ha continuato a pensare di poter scavare la sua via d’uscita”, ha detto un amico artista. “Ma poi si è messo in testa ed era troppo tardi.”

Chowaiki, 50 anni, è cresciuto benestante a Città del Messico, dove suo padre era un importatore / esportatore. Dopo la laurea, si è trasferito a Manhattan per studiare cinema alla New York University e ha incontrato la sua futura moglie, Mindy Schwartz. Le ambizioni cinematografiche di Chowaiki sono state messe da parte per un lavoro nel settore dei gelati dei suoi suoceri. Ma non era abbastanza per lui. Dopo aver studiato arte del 19 ° e 20 ° secolo al Sotheby’s Institute of Art di Manhattan, ha spostato le marce.

È apparso sulla scena nei primi anni 2000, aggirando le gallerie e le aste, alla ricerca di un appiglio.

L’artista ha ricordato una situazione in cui ha considerato di co-acquistare un’opera di Egon Scheile. “Ha studiato e studiato”, ha detto l’artista. “Abbiamo esaminato l’immagine con esempi in un catalogo e in un libro. Abbiamo trovato un elemento, in una riga, che non era morto, e [lui] ha concluso che si trattava di una copia. Ezra era scrupoloso riguardo alla ricerca. “

Chowaiki divenne una specie di intermediario. “Ha trovato persone che avevano bisogno di arte e le hanno abbinate a persone che vendevano arte”, ha detto un membro del settore. “Era molto bravo in questo.”

Intorno al 2004, incontrò l’imprenditore farmaceutico David Dangoor, che finì per finanziare la galleria Ezra Chowaiki in un appartamento al 500 Park Avenue. “Mi è piaciuto Ezra e lui era molto ben informato”, ha detto Dangoor.

Chowaiki generò fiducia essendo l’antitesi del brillante mercante d’arte newyorkese, vestendosi spudoratamente e talvolta dormendo durante la notte nella galleria. Lui e Dangoor hanno collaborato con il collega Luba Mosionzhnik.

Gestire una galleria non è economico, con l’affitto (Chowaiki’s era di circa $ 8.000 al mese), l’assicurazione, i pasti e i pasti dei clienti (secondo un amico di Chowaiki, $ 10.000 al mese non era inusuale per lui) e, naturalmente, acquisto di arte. Chowaiki non viveva in maniera stravagante. Ma, ha detto l’insider, “non sapeva come controllare le sue spese … la sua gestione del denaro è terribile”.

Un accordo con Sotheby’s è andato a sud quando un lavoro di Matisse rappresentato da Chowaiki è stato messo all’asta per meno del minimo garantito, lasciandolo a pagare circa $ 3 milioni alla casa d’aste.

Poi Chowaiki ha sperperato circa 5 milioni di dollari aiutando il bankroll in una causa fallita dall’ereditiera greca di spedizione Aspasia Zaimis in cui lei sostiene di essere stata truffata da una collezione d’arte meritevole di un museo dopo la morte di sua zia. Chowaiki avrebbe avuto un primo colpo a vendere i lavori.

Nel frattempo, secondo i documenti del tribunale, Mosionzhnik è stato licenziato dalla galleria nel 2008 per presunte scorrettezze in relazione al suo impiego. Successivamente ha citato in giudizio Chowaiki, Dangoor, la galleria e altri per una serie di rivendicazioni inclusa la violazione del contratto. E gli imputati hanno affermato le domande riconvenzionali contro Mosionzhnik.

Il caso è stato risolto ma “costa $ 1 milione di spese legali”, ha detto Dangoor.

Entro il 2015, Chowaiki e la galleria avevano debiti che alla fine sarebbero stati vicini a $ 10 milioni, secondo Dangoor.

Ai Chowaiki era stato diagnosticato il diabete. Sua moglie, con la quale ha due figli, lo aveva lasciato.

Le crepe hanno cominciato a mostrare.

“Abbiamo lavorato insieme per più di 10 anni”, ha detto un rivenditore di New York. “Era sempre così concentrato. Ma all’improvviso Ezra iniziò a sembrare distaccato e distante … qualcosa era decisamente sbagliato. “

All’inizio, amici e colleghi hanno ridotto Chowaiki quando le cose diventavano sospette. Un amico ha ricevuto un’e-mail inquietante da un commerciante di Manhattan che ha letto, in parte, “Non è bello quello che fa il tuo amico – vendendo qualcosa che non dovrebbe”. L’amico ha chiesto a Chowaiki, ma lascialo andare quando il gallerista si è scrollato di dosso.

Secondo i documenti del tribunale depositati nella causa civile, in almeno un caso Chowaiki ha travisato il prezzo di acquisizione di un’opera d’arte, affermando che era più alto di quello che era in realtà, e ha mantenuto i fondi aggiuntivi.

Il collezionista Rick Silver, in quel caso, mise su $ 1,2 milioni in modo che Chowaiki potesse comprare “Bouquets de giroflées” di Marc Chagall, venderlo e condividere i profitti con lui, secondo i documenti del tribunale. Ma il prezzo reale pagato da Chowaiki era “significativamente inferiore”, ha detto l’avvocato Judd Grossman, che rappresenta diversi ex clienti della galleria in contenzioso civile contro il mercante d’arte. Sostanzialmente, i querelanti sostengono che “ha truffato il signor Silver e intascato la differenza”. Ha poi “promesso illegalmente [il Chagall] come garanzia su un prestito di $ 800.000”, ha detto Grossman.

Un modello cominciò a emergere mentre Chowaiki prendeva in prestito denaro o arte, quindi lo utilizzava per coprire i debiti. “Aveva sempre bisogno di prestiti da bridge”, ha detto un avvocato con il quale era amico. “Era brillante ma non liscio”. Eppure, ha detto l’artista, gli amici credevano che “alla fine avrebbe fatto il suo lavoro e sistemato le cose”.

Nel 2016, Chowaiki è stato consegnato per vendere il dipinto “Ettore e Andromaca” dell’artista Giorgio de Chirico che si dice valga $ 1 milione. Secondo i documenti del tribunale, Ely Sakhai, condannato per frode artistica, dichiara di aver acquistato il lavoro con una valutazione di $ 500.000. Ma il proprietario del dipinto, Naftali Leser, ha detto di non avere idea dell’affare.

Inoltre, Chowaiki è accusato nel caso civile di rinunciare a un dipinto di Max Ernst – valutato a circa $ 250.000 da Christie’s – per cancellare un prestito, ma non è riuscito a pagare il proprietario che lo ha consegnato per venderlo.

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Colpendo il fondo nel 2017, Chowaiki ha venduto un interesse del 50% in una scultura per $ 900.000. Ha promesso all’investitore un profitto di $ 100.000 dopo una rivendita, ma Chowaiki non avrebbe posseduto il lavoro.

Incredibilmente, Chowaiki è stato infine arrestato a causa di un problema di contabilità.

Nell’ottobre 2017, Dangoor è stato informato delle irregolarità di fatturazione da un impiegato della galleria che ha detto che Chowaiki stava recitando in “moody and grassy”.

Fu organizzato un incontro tra Chowaiki, l’avvocato di Dangoor, Anthony Dougherty e un collega di Dougherty, che, in una svolta scioccante, portò il rivenditore a subire una litania di misfatti. “Non aveva un regalo di avvocato ed era molto trasparente”, ha detto Dougherty. “Stava cercando di confessare.”

(L’avvocato civile di Chowaiki, Adam Felsenstein, ha dichiarato: “Penso che Ezra sia stato sorpreso quando le dichiarazioni rese al legale della galleria sono diventate la base di cause civili e penali. Pensava che stesse aiutando la galleria e i suoi clienti, ma non costituisse la base contenzioso contro di lui personalmente. “)

All’indomani dell’incontro, Chowaiki chiamò almeno due amici. “Ha detto, ‘La mia vita è s-t. Vengo licenziato dalla galleria “, ha raccontato uno di loro. “Mi ha detto che stava per uccidersi.”

Chowaiki ha rifiutato di commentare.

Sebbene abbia confessato in tribunale di fare ciò che ha fatto, alcuni credono ancora che Chowaiki non abbia premeditato le sue azioni.

“Ezra non è machiavellico”, ha detto un investitore che ha perso $ 100.000 – ma non lo ha citato in giudizio. “È un bravo ragazzo che si è preso una marmellata.”

Anche Dangoor, che è fuori $ 2,7 milioni, è d’accordo. “Ezra ha supplicato di non essere denunciato alla polizia”, ​​ha detto Dangoor. “Si è scusato e si è scusato. E ‘stata una scena molto triste. Ma non avevo scelta. “

Nonostante tutto, Chowaiki ha ancora i suoi potenziamenti.

Le lettere di ex clienti mandate a Manhattan il giudice distrettuale degli Stati Uniti Jed S. Rakoff hanno giocato un ruolo nel gallerista ottenendo una condanna mite – i pubblici ministeri avevano raccomandato da quattro a cinque anni – e viene citato in giudizio civilmente solo da una piccola parte di coloro a cui deve i soldi.

“La sua simpatia era un vantaggio”, ha ammesso Grossman.

Sembrava quasi che il tempo si fosse dimenticato di lui, che la morte avesse deciso di risparmiare questo gigante del novecento: filosofo, pittore, critico d’arte eclettico (sua fu la definizione del “Kitsch”), intellettuale sempre irriverente. “Ho dimenticato metà secolo e sto dimenticando l’altra metà perché voglio vivere nel futuro”, aveva 107 anni Gillo Dorfles ma viveva costantemente proiettato nel futuro.

Non basterebbe una raccolta enciclopedica per descrivere la vita straordinaria di Dorfles, nato nella Trieste dell’imperatore Francesco Giuseppe e vissuto per un tempo quasi eterno attraversando tutti gli sconvolgimenti degli ultimi cento anni.

L’unico modo per parlare di Gillo è lasciare che lo faccia lui, così come ha fatto nell’intervista (riportata di seguito) che ha rilasciato a Aldo Cazzullo per il Corriere della Sera in cui racconta in prima persona gli episodi più importanti della sua vita.

La Trieste degli Asburgo
Il mio vero nome è Angelo, ma nessuno mi ha mai chiamato così. I Dorfles sono una famiglia di origine austriaca, trasferita a Gorizia: mio nonno era presidente del teatro Verdi, molto fiero di avervi portato Eleonora Duse. Sono nato a Trieste il 12 aprile 1910. Ricordo la città pavesata di bandiere gialle e nere con le aquile, i colori dell’impero. Quasi ogni giorno uscivo in passeggiata con mia madre. Incontravamo un pope barbuto, un prete greco, che mi vezzeggiava: questo mi faceva sentire importante. E passavamo dalla libreria antiquaria di via San Nicolò, gestita da un uomo burbero: “Cos’ti vol picio? No xe roba per ti!”. Era Umberto Saba. Non vidi l’arrivo dei marinai italiani, nel novembre di cent’anni fa; durante la Grande Guerra la mamma mi aveva portato a Genova, dov’era nata. Mio padre, irredentista, era al confino a Vienna. Ma il liceo lo feci a Trieste: il Dante Alighieri. Linuccia, la figlia di Saba, divenne una delle mie più care amiche. Andavo a casa sua almeno due pomeriggi a settimana; e se il padre mi sopportava a malapena, la madre, Lina, era molto gentile. Poi Linuccia si fidanzò con un ragazzo meraviglioso, Bobi Bazlen: fu lui a farmi scoprire Proust, Kafka e soprattutto Joyce. Andavamo a lezione da un professore che l’aveva conosciuto e ci spiegava l’Ulisse, allora ignoto in Italia».

Il salotto di Svevo
«Irredentisti e nazionalisti si trovavano a casa di Elsa Dobra, sorella di Elodie Stuparich, una delle muse di Scipio Slataper: il “barbaro sognante”, l’eroe del Carso. Io frequentavo il salotto di Olga Veneziani, che aveva una fabbrica di vernici sottomarine: una signora dal carattere terribile, che mal tollerava le prove letterarie del genero, Ettore Schmitz, che nessuno conosceva ancora come Italo Svevo. Con lui facevamo gite sul Carso, giocavamo a bocce nelle locande. Il mio primo articolo sul Corriere della Sera, chiestomi da Dino Buzzati, raccontava proprio casa Veneziani. C’era una giovane pittrice, Leonor Fini, eccentrica e vistosa; un mio professore ci vide camminare a braccetto e telefonò a mia madre allarmatissimo: “Suo figlio si accompagna a donne di malaffare!”. Ai bagni Savoia diventai amico di Leo Castelli, che avrei ritrovato a New York, divenuto il più grande mercante d’arte del secolo. Un nipote di Svevo sposò una pittrice, Anna, che sarà la mamma di Susanna Tamaro; che quindi è pronipote dello scrittore».

La Milano dei Navigli
«Da bambino andavo a trovare mia bisnonna, che abitava in corso Venezia, nel palazzo con le quattro colonne al numero 34, costruito da mio prozio. La bisnonna era stata amica di Carducci e mi parlava del Risorgimento: lei c’era. Cent’anni fa Milano era ancora un borgo tranquillo, circondato da orti e cascine. I Navigli erano bellissimi, interrarli è stato un errore. Abituato a città nautiche come Trieste e Genova, Milano mi parve una città d’acqua. Fu un incontro fatale. Passeggiavo lungo il Naviglio che ora è via Senato, andavo in barca nel laghetto di San Marco. Più tardi cominciai a frequentare gli artisti, in particolare Lucio Fontana. Lo vedevo spesso, studiava a Brera con Adolfo Wildt; non tagliava ancora le tele, faceva statue di ceramica, ma era già un grande. Andavo ai concerti con Fausto Melotti e suo cognato Gino Pollini, l’architetto».

L’elettroshock
«Nonostante la passione per l’arte, mi sentivo obbligato a prendere una laurea seria, e mi iscrissi a Medicina. Volevo diventare psichiatra come Ugo Cerletti, l’inventore dell’elettroshock. Fu lui a insegnarmi come si fa: si mettono due elettrodi alle tempie del paziente, la scossa elettrica gli fa perdere coscienza. Era molto impressionante. Dava qualche risultato, ma si usava anche quando non ce n’era bisogno. Dopo tre anni a Milano mi trasferii a Roma, dove fui allievo e assistente di Cesare Frugoni. Ricordo i primi pazienti che interrogai. Un paranoico si credeva Gesù. Un uomo raccontava di aver partorito quattro gemelli di dieci chili l’uno. Un altro viveva in uno stato di priapismo continuo, e disegnava ovunque maialini. Capii che il mio mestiere non era la medicina, ma l’estetica».

Artù Toscanini
«Alla Scala mi portò per la prima volta lo zio Ernesto: era sordo, ma se sedeva in prima fila con la trombetta d’argento riusciva a sentire qualcosa. C’era Toscanini, dirigeva il Falstaff. Io ero fidanzato con Lalla Gallignani, la figlia di Giuseppe, un faentino legato a Verdi che l’aveva portato a Milano per dirigere il conservatorio. Alla sua morte, Toscanini divenne il tutore di Lalla. Fu lui a portarla all’altare quando ci sposammo. “Artù”, come amava firmarsi, era pieno di umanità, molto alla mano; innamorato delle donne, anche troppo. Suo figlio Walter fu testimone di nozze, il ricevimento lo facemmo a casa Toscanini, in via Durini, e andammo in viaggio di nozze all’Isolino, l’isola nel Lago Maggiore di sua proprietà. Le figlie, Wally e Wanda, avevano ereditato l’esuberanza del padre. Dopo la guerra rividi “Artù” a New York. Era molto stanco, ma alle prove gli errori dell’orchestra lo rinvigorivano: “Corpo di una madonnaccia!” urlava gettando la bacchetta».

Il superstite dei lager
«Avevo fatto il militare nel Nizza Cavalleria. Avrei preferito il Savoia, per via delle divise, ma l’impiegato a cui mi ero fatto raccomandare fece confusione. In cavalleria non era obbligatorio il saluto fascista, con mio grande sollievo, perché detestavo il Duce. Allo scoppio della guerra non fui richiamato alle armi, avevo già compiuto trent’anni. Sfollammo in un casolare in Toscana, ma andavo spesso a Firenze, alle Giubbe Rosse. Un testimone mi parlò di piazzale Loreto: non riuscivano a fucilare Starace, catturato in pantofole, perché c’era troppa gente, per sparargli dovettero distenderlo sopra il corpo di Mussolini. L’anatomopatologo Cattabeni, amico e collega, mi disse che dall’autopsia emerse che il Duce stava benissimo, a parte le cicatrici di un’ulcera; le malattie che gli attribuivano erano leggende. Incontrai un ebreo livornese quindicenne, sopravvissuto a Dachau e a Buchenwald: mi raccontò che erano costretti a cibarsi dei compagni morti. E vidi passare la brigata ebraica, con la stella di David — gialla su fondo biancoazzurro — ostentata con baldanza».

Montale e la Mosca
«Montale me lo presentò Bazlen a Trieste: fu Eugenio, che chiamavamo Eusebio, a far conoscere Svevo ai lettori italiani. Lo rividi poi a Genova, a Firenze, a Milano, nella sua casa di via Bigli. Stava con la Mosca, che in realtà si chiamava Drusilla Tanzi, ed era terribilmente gelosa di lui. Teneva mia moglie per ore al telefono per lamentarsi delle rivali, fino a quando Lalla osò dire: “Ma perché non lo lasci un po’ in pace?”. Da un giorno all’altro la mia amicizia con Montale finì. Recuperammo in parte solo dopo la morte della Mosca, nel ‘63».

La Milano di oggi
«Tutto questo slancio, chiedo scusa, non lo vedo. Dopo la Seconda guerra mondiale Milano era diventata la capitale culturale d’Italia, soppiantando Torino, Firenze, Roma. Con Munari e Soldati fondammo l’arte concreta. C’erano il design e la grande editoria: Sereni, Vittorini, che oltretutto era un uomo affabile, a differenza di Moravia, un po’ presuntuoso. Ora la società letteraria non esiste più, e non vedo nuovi protagonisti. L’ultimo è stato Umberto Eco».

La longevit�
«Com’è la vita oltre i cent’anni? Non amo l’argomento. Ci si annoia, perché si fatica a leggere. Le novità mi piacciono, ho anche preso il cellulare. Non sono morigerato, ho sempre mangiato le cose che mi piacevano: gli gnocchi alla romana, i carciofi, i tartufi; e i fritti. Sono un discreto cuoco, specialità fiori di zucca. Ho sempre bevuto vino rosso, ho una passione per il cannonau. Una volta lo dissi in tv e vari produttori sardi mi mandarono a casa una cinquantina di bottiglie. Poi purtroppo hanno smesso».

Erano l’ossessione artistica del pittore che ha dato forma a un’epoca, mostrando splendori e consunzione dell’impero austriaco in dissoluzione. Sensualissime anche quando sono ritratte nel più casto dei modi, come nel Bacio, diventato un’icona

A OGNI epoca la sua arte e a ogni arte la sua libertà”: dal 1898 la frase campeggia sulla facciata del Palazzo della Secessione, il movimento che ruppe in Austria i vecchi canoni artistici dell’Ottocento. Parole vere sempre e comunque, ma mai così esatte per descrivere quella stagione breve e intensa che visse il cuore dell’Europa a cavallo dei due secoli.

Gustav Klimt fu anima e motore di quella scena artistica, e se c’è un pittore che ha saputo dare forma a un’epoca, mostrare gli splendori e la consunzione di un impero in dissoluzione, questo è lui. Ancora oggi, davanti ai suoi quadri, possiamo respirare l’atmosfera – ricchissima, terribile e struggente – della Finis Austriae: un mondo che muore, scosso e affascinato dalle ombre disvelate da Freud, attraversato da nuove avventure culturali, folgorato nelle sue certezze dalle illuminazioni di Einstein, travolto infine dalla Guerra mondiale. E’ il regno dell’Uomo senza qualità, o meglio, di un insieme di mille qualità senza l’Uomo. Così Musil lo ha descritto. Così Klimt lo ha dipinto.

Eppure non gli assomigliava. Non bisogna farsi confondere dall’eleganza estrema dei suoi quadri. Era un uomo energico, un artista di rottura, un ribelle capace di grandi innovazioni, che conquistò Vienna con la sua bravura, poi la scandalizzò con i suoi affreschi (quelli destinati all’aula magna dell’università furono rifiutati), e infine la sedusse definitivamente con la sua maestria.

‘Klimt & Schiele – Eros e psiche’ – clip in anteprima: La nascita della secessione viennese

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Non era cresciuto nei salotti. Secondo di sette figli, nasce in un sobborgo di Vienna il 14 luglio 1862: il padre non vive nell’agiatezza è un modesto artigiano, orafo. Ma forse il suo mestiere è la fortuna di Klimt, che eredita una prodigiosa capacità manuale, frequenta la Scuola di Arti Applicate, segue i corsi di grafica, intaglio, oreficeria, studia i metalli e il mosaico: conosce la bellezza della decorazione, impara a sentire e padroneggiare ogni materia. Chissà se, senza questa lezione iniziale, avrebbe potuto creare, poi, i suoi capolavori. La sua mano felice gli apre presto molte porte, insieme ai fratelli ottiene commissioni per affrescare molti edifici pubblici, fra cui il Kunsthistorisches Museum e il Burgtheater di Vienna. Si nutre della pittura dell’epoca: storica e accademica. Segue la lezione simbolista dei Franz Von Stuck e degli Odilon Redon, ma è un uomo troppo sensibile per non sentire lo spirito del tempo, per non avvertire il vento che scuote in Europa ogni certezza formale.

Giuditta ICondividi  
Per questo spacca l’Accademia di Belle Arti di Vienna, e raggruppa intorno a sé una serie di artisti e architetti (i migliori: Egon Schiele, Koloman Moser, Otto Wagner, Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffman). Hanno mezzi e mecenati che li sostengono, possono costruire la loro sede tutta nuova (Il Palazzo della Secessione, appunto) che racchiude molte delle soluzioni architettoniche e decorative del movimento: superfici vagamente classiche con ornamenti lineari e sinuosi. I secessionisti non sono settari: organizzano mostre aperte a tutte le avanguardie che si affacciano nel nuovo secolo, inseguono l’opera d’arte totale sognata da Wagner, lavorano per la collaborazione delle arti, sull’onda del movimento inglese Arts&Crafts di William Morris perseguono la produzione di manufatti artigianali ad alto contenuto estetico. Se Vienna ha il volto che oggi conosciamo, lo si deve anche a loro.

Se conosciamo il volto delle donne della Vienna di allora, invece, lo si deve solo a Klimt. La sua è una lunga indagine sull’universo femminile, a volte angelicato a volte tentatore, tenero o perverso, quasi sempre sensualissimo, anche quando viene disegnato nel più casto dei modi

Se conosciamo il volto delle donne della Vienna di allora, invece, lo si deve solo a Klimt. “Non ho mai dipinto un autoritratto. La mia persona come soggetto di un quadro non mi interessa, mi interessano gli altri, soprattutto le donne“. E anche se la frase non è completamente vera (il volto del pittore appare piccolissimo in una decorazione del Burgtheater) è rivelatrice della sua ossessione artistica: una lunga indagine sull’universo femminile, a volte angelicato a volte tentatore, tenero o perverso, quasi sempre sensualissimo, anche quando viene disegnato nel più casto dei modi. Contraddizione che lo accompagna anche nella vita quotidiana: Klimt vive come un monaco (in casa con la madre e le sorelle, in studio dalla mattina alla sera) ma è un seduttore seriale, (soprattutto delle sue modelle).

La leggenda dice che sia diventato padre per ben 14 volte (se sono maschi li chiama Gustav), ma non sposerà mai la donna che sceglie come compagna di vita, Emile Floege, e le quattrocento lettere che le scrive rivelano un intenso rapporto spirituale, basato – sembra – sulla castità. Fra le prime amate ce n’è però una speciale: quell’Alma Schindler destinata ad essere la musa (e l’amante o la moglie) dei più importanti artisti di inizio secolo: Mahler, Gropius, Kokoshka, Werfel. Curiosamente fu proprio lei a stroncare le opere più famose dell’ex amante: “Circondò di lustrini i suoi quadri, che prima erano concepiti grandiosamente, e la sua visione artistica decadde al livello del mosaico d’oro e della decorazione. Era circondato solo da donnette e mi cercava perché sentiva che potevo aiutarlo”.

Forse era un destino, visto il mestiere del padre, o forse era una necessità dello stile dell’epoca: ma certo dal 1900 in poi Klimt ricopre sempre più d’oro le sue donne

Già, l’oro. Per quanto sia stato uno straordinario pittore di paesaggi (i suoi Faggeti vibrano in un meraviglioso pulviscolo multicolore, molto più vero e intenso del pointillisme alla Seurat), per quanto abbia dipinto tanti quadri con colori normali, Klimt viene ricordato soprattutto come il pittor aureo. Forse era un destino, visto il mestiere del padre, o forse era una necessità dello stile dell’epoca: ma certo dal 1900 in poi Klimt ricopre sempre più d’oro le sue donne. Giuditta I (1901) è circondata da una lamina luminosa che sembra racchiuderne la sconvolgente sensualità: ne emergono solo il volto, il braccio, il candore del seno nudo, la testa di Oloferne è solo un dettaglio laterale. Se ne vede solo metà. La donna ritratta sembra più una perfida e seducente Salomè che non l’eroina biblica: una delle tante donne fatali che abitano la cultura dell’epoca.

Milano: Klimt, le origini del mito

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Ma due anni dopo Giuditta, Klimt compie uno dei pochi viaggi della sua vita: destinazione Ravenna, dove, evidentemente, viene folgorato dallo splendore dei mosaici bizantini, un tuffo in una nuvola di luce. Ci torna una seconda volta. Da quell’immersione nell’atmosfera bizantina il pittore ritorna ancora più determinato: modula le superfici d’oro dei suoi quadri, animandole con linee sinuose, figure geometriche, piccoli simboli, accensioni di porpora o di verde acqua. Il quadro è un manto aureo che vibra in un’atmosfera che appare senza tempo, e solo una piccolissima porzione della tela è dedicata al volto e alle spalle, alle mani della donna che si affaccia – quasi con stupore – su tanta magnificenza.

Ritratto di Adele Bloch-BauerCondividi  
L’ornamento, che per Adolf Loos sarà un delitto, per lui è una ricchezza. Di più: è la tela di cui è tessuta la realtà dell’arte. L’esempio più celebre è forse il Ritratto di Adele Bloch-Bauer (1907), reso ancora più famoso dal processo che costrinse l’Austria a restituirlo alla famiglia cui i nazisti l’avevano preso. Un libro e un film (Woman in gold) hanno immortalato la battaglia della nipote di Adele per rientrare in possesso del quadro. Ci sono altre due tele manifesto di questo periodo aureo: una è Il bacio, diventato l’icona delle Gallerie del Belvedere di Vienna, con tanto di postazione apposita per i selfie.

Strano che Il Bacio, l’opera più popolare sia forse la più casta di Klimt: le bocche dei due amanti non si toccano, lui sfiora solo la guancia di una virginea ragazza che sembra ritrarsi nell’abbraccio

DanaeCondividi  
Strano che l’opera più popolare sia forse la più casta di Klimt: le bocche dei due amanti non si toccano, lui sfiora solo la guancia di una virginea ragazza che sembra ritrarsi nell’abbraccio. L’altra è il suo opposto e rivela invece un eros potente: è la Danae dipinta tra il 1907 e il 1908. Come poteva, d’altronde, il pittore dell’oro resistere alla tentazione di dipingere la figlia del re di Argo posseduta da Giove che si trasforma proprio in una nuvola d’oro? La Danae di Klimt è una tizianesca bellezza dai capelli rossi, sognante, accondiscendente e accoglie volentieri tra le gambe che dominano il primo piano del quadro la brillante metamorfosi del dio.

I 150 anni di Klimt: da Venezia a New York

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Ma, alla fine, di tanto oro si può morire: e mentre si spegne lo splendore dell’Austria che finirà presto sotto le cannonate della prima guerra mondiale, Klimt sente la crisi e trova la forza di rinnovarsi ancora. La sua pittura diventa più intensa, forte, espressionista.

La cullaCondividi  
Uno degli ultimi quadri è La culla (1917-18). In cima alla tela si intravede il volto di un neonato, quasi soffocato da una montagna di coperte e tessuti variopinti. L’oro è scomparso, e quelle stoffe non sono più preziosi mantelli istoriati, ma stracci, vessilli del nuovo secolo già diventati macerie.

Argomenti:Protagonisti:Gustav Klimt